以前、ドイツに行かれた先生から珍しいものをいただきました。

というより、おねだりしたのですが。
リコーダー吹きにはとても素敵なお土産ですよね。
というか、リコーダー吹きじゃない人には、「あ、そう」で済んでしまうかも。

（ tomo ）

まずは、パヴァーヌ　と　ガリアルドについてです。

ジョン・ダウランドのラクリメ（あるいは涙のパヴァーヌ）などで、パヴァーヌとガリアルドが組み合わされて演奏されることが多かったようです。普通はパヴァーヌの後にガリアルド。

私は、パヴァーヌは宮廷での舞踏会の入場行進の曲、というように聞いた覚えがあります。


★　パヴァーヌ　（仏語：Pavane、英語ではパヴァン）

１６、１７世紀の宮廷舞踏、行列舞踏で、ラテン語のＰａｖｏ（孔雀）から由来したパドゥアから発生したといわれるダンス。
パヴァーヌのかしこまった行進は、厳粛なスペインに影響された１６世紀イタリアの宮廷作法に似つかわしく、パヴァーヌはスペイン起源の舞曲なのかもしれないと想像させるが、パヴァーヌの名称の由来はいまだに諸説に分かれている。

ゆったりした２拍子系のリズムで男女のペアが列を作って踊るのが普通だが、初期の頃には時には３拍子のものも用いられた。
ダンスとしてのパヴァーヌは、しばしば一組のカップルの行進の意味で使われている。

アルボーのフランス語のダンス指南書『オルケゾグラフィ"Orchesographie" 』によると、パヴァーヌは王侯貴族のための踊りで、たいてい即席の舞踊であり、踊り手は自由自在にステップを飾り立てることができたとある。
イングランドの資料によると、パヴァーヌは、いくつかの小節ごとに組み分けされた単純な舞曲で、振付けられており、また、イタリアの文献によると、パヴァーヌはしばしばかなり手の込んだダンスで、ガリアルダなどの部分が続いた。
１６３０年代半ばにダンスそのものは時代遅れになり、ルイ１４世の宮廷でパヴァーヌはアルマンドに追い落とされたが、曲としてのパヴァーヌは数百年にわたって生き続けてきた。

古い時代の主要なパヴァーヌの作曲家は次のとおり。

ピエール・アテニャン（1494年ごろ - 1552年）
アンソニー・ホルボーン（ - 1602年）
ウィリアム・バード（1543年 - 1623年）
トマス・モーリー（1557年ごろ - 1602年）
ヤン・ピーテルスゾーン・スウェーリンク（1562年 - 1621年）
ジョン・ダウランド（1563年ごろ - 1626年）《涙のパヴァーヌ》
オーランド・ギボンズ（1583年 - 1625年）
ヨハン・ヘルマン・シャイン（1586年 - 1630年）
ザムエル・シャイト（1587年 - 1654年）
ヤコブ・ファン・エイク（1590年 - 1657年）ダウランド作品に基づく、リコーダー曲


★　ガリアルド 　（仏語：Galliarde）

１６世紀に流行した舞曲の一つ。軽快で速い３拍子系のリズムをもつ。
ガリアルド（仏語：Galliarde、英語読みではガリアード）またはガイヤルド（仏語：Gaillarde）は、
１４００年ごろにフランスに普及した歴史的舞曲。急速な３拍子の跳ね踊りで、緩やかな踏み踊りであるパヴァーヌとしばしば組み合わされる。「パヴァーヌ」－「ガリアルド」の組み合わせは、後に「アルマンド」－「クーラント」の組み踊りに追い落とされた。

元来は大衆舞曲であったが、１５世紀末までにヨーロッパの数多くの宮廷に採用された。１６世紀の舞踏指南書には、この舞曲のたくさんのバリエーションが記されている。

ガイヤルドは、ひとりで踊ることも、またパートナーと一緒に踊ることもできるが、宮廷社会においては常にパートナーと踊るものとされた。イングランドのエリザベス１世は熱狂的なガイヤルドの踊り手として有名で、同女王の寵臣エセックス伯爵のテクストによるダウランドのリュート歌曲《彼女は許してくれようかCan shee excuse 》は、ガイヤルドのリズムが使われている。


　

（tomo）

ノンレガート、レガート、スタッカートなどの奏法、タンギングについてですが、
「これで納得！　よくわかる音楽用語のはなし―イタリアの日常会話から学ぶ」での日常的な意味の説明の前に、それぞれの違いをざっと見ておいた方がいいかなと思います。
ざっとといっても、読んだだけではなかなかわかりづらい面もあるのですが。

私は、個人レッスンなどを受ける前にずっとリコーダーオーケストラにいて、バスを多く吹いていましたので、どちらかといえば音を短めに吹く方かなと思います。
大勢の合奏では、音の長さ目一杯に伸ばすと、他の音、他のパートと重なって音がにごりやすくなるとか、バスパートではリズムをはっきりさせるために短めに演奏することが多かったためです。

だいぶ前に、田中せい子先生のセミナーを受けたとき、先生の演奏されるのを聴いて、ずいぶん自分より長く、当時の私には音をとても引きずるような演奏の仕方に感じました。
また、ソロソナタのレッスンで、初めてポルタートという言葉を知りましたが、先生は、リコーダーではポルタートが一番普通の吹き方だよ、と言われているように感じました。
今でも、他の人よりは短めなのかとも思いますが、以前よりは長い短いを意識しながら吹くようになったと思います。


以下に楽譜を表示しましたが、ちょっと見づらくなっています。ご容赦ください。
楽譜部分は、田中せい子先生の　「リコーダーのタンギング」～生き生きとしたアーティキュレーションのために（アントレ編集部、1998.8）　から引用させていただきました。

★ ノンレガート　Nonlegato
イタリア語で、「つながらない」という意味。音を次の音とはっきり区切るために、各音を音価めいっぱいには伸ばさないで、楽譜に書き表せないほどごくわずかに早めに切り上げ、次の音の発音準備を行う（音の長さはポルタートよりやや短く、スタッカートよりかなり長くなる）。

                           

★ レガート　Legato
イタリア語で、「つながった」という意味。通常スラーを用いて表される。
スラーを用いたレガートの場合、スラーの弧線のある最初の音でタンギングし、弧線のかかった最後の音まで舌を使わず、その次の音で再びタンギングする。
また、スラーを用いずにごくやわらかなタンギングで奏する際にも「レガート」と表現されることが多く、その場合は、この語は「ポルタート」と同じ意味で使われている。

                          
★ ポルタート　Portato
イタリア語で、「運ばれた」という意味。
常にやわらかいタンギングを使いながら、なるべくレガートに近い（スラーのかかったような）演奏で、音を次の音へと「運ぶ」。この場合、音価をめいっぱい伸ばすために、音を区切るための舌先の動きはすばやく瞬間的に、息の流れを妨げないようになされなければならない。
                             

★ スタッカート　Staccato
イタリア語で、「切り離された」という意味。
音を出した瞬間に、すばやく舌先を元の位置に戻すことによって息の流れを遮断し、音を止める。
一つ一つの音は短く、弾みのあるものとなる。

                              

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ここで、わかりにくいのはやはりポルタート。
辞書とかネットでは、「メゾスタッカート」と理解されている場合もあるらしく、スタッカートとレガートの中間で音を適度に切るとか、スラーで結合された２つ以上の音符を明らかに区切って奏すること、などの説明もありました。
でも田中先生のお話では、ポルタートはスラーとは特に関係ない話だと私は思っています。
ポルタメントportament　と混同する人はあまりいないでしょうか？


　 

（tomo）